Portugal Dance Competition promove talentos com bolsas internacionais, prémios em dinheiro e grupos brasileiros entre os selecionados

O Portugal Dance Competition promete transformar vidas e revelar talentos em sua próxima edição de 06 á 08 de junho na cidade de Pombal - Portugal, com uma programação que vai muito além de uma competição tradicional. Reunindo bailarinos de diferentes países, o evento se consolida como uma das principais plataformas europeias de projeção para jovens artistas da dança.

Além das apresentações competitivas, o festival oferece bolsas de estudo para renomadas escolas internacionais, audição ao vivo, palestra exclusiva, masterclasses com nomes consagrados da dança e prémios em dinheiro para os destaques da competição.

Uma das novidades  é a presença de grupos brasileiros que foram selecionados no Festival Dança Brasil, e que tiveram vaga garantida com isenção da taxa de inscrição, como reconhecimento pela excelência artística. Entre os contemplados estão o Estúdio Eiras, o Viva Dança, entre outros que agora levam o talento brasileiro para os palcos europeus.

“Essa parceria com o Festival Dança Brasil reforça nosso compromisso com a inclusão e o intercâmbio cultural. Queremos abrir portas para quem tem talento e dedicação, independentemente de barreiras geográficas ou financeiras”, destaca Eleusa Lourenzoni, organizadora do Portugal Dance Competition.

Com um júri internacional formado por diretores de companhias, coreógrafos e profissionais respeitados do meio, o evento garante avaliações técnicas de alto nível. Os participantes também terão acesso a atividades formativas, como palestra sobre carreira artística, orientação profissional.

As audições para escolas e companhias europeias e americanas fazem parte do destaque do evento, oferecendo a possibilidade real de continuidade na formação e entrada no mercado profissional da dança.

O Portugal Dance Competition reafirma, assim, seu papel de catalisador de sonhos e oportunidades, unindo competição, formação e projeção internacional num só palco.

57 Solistas e 5 Conjuntos Brasileiros
Selecionados para o World Ballet Competition 2025

Cerca de 57 solistas e 5 conjuntos do Brasil foram selecionados para participar da 18ª edição do World Ballet Competition (WBC), que acontecerá de 16 a 21 de junho de 2025, no Linda Chapin Theater, em Orlando, Flórida, EUA.

O WBC é uma das competições de balé mais prestigiadas do mundo, reunindo talentos de mais de 25 países. Os participantes disputarão prêmios em dinheiro, bolsas de estudo e contratos com grandes companhias internacionais, com um total superior a US$ 300 mil.

Solistas brasileiros selecionados:
Maria Luisa Alves da Silva, Mariana Aranega, Bruna Araujo, Maria Carolina Bianchi, Laura Bittar, Valentina Bomtempo, Luiza Chaim, Luisa Costa, Letícia De Melo, Anna De Sousa, Clara Detoni, Emanuelle Dos Santos, Julia Dos Santos, Alice Dos Santos, Maria Laura Duarte Sant'Ana, Maria Edashige, Antonella Febernati Algeri, Isabella Fernandes, Gabriela Ferreira, Letícia Girard Fiúza de Mello, Sofia Godinho, Vitoria Godoy, Antonella Iglesias, Isadora Isa, Pietra Landim, Maria Leão, Beatriz Lourenço, Bárbara Lourenço, Julia Marino, Lívia Mendes Bercelli, Giovana Mendonça, Manuella Menezes, Melissa Menezes, Melissa Mikaseyvas, Maria Leticia Muniz, Valentina Navarro, Taína Pasqualin, Vinicius Pedroni, Danilo Pereira, Ana Laura Pires, Helena Rennó, Paula Ribeiro, Luana Ribeiro, Maria Clara Santos, Ellen Santos, Vitoria Scarpelli, Maria Luiza Silva, Sophia Silva, Gabriel Soares, Sophia Soares Santos, Ana Luiza Souza, Antonella Squarcina, Yasmim Tavares, Leticia Teixeira, Micaela Vargas, Bianca Vilela.

Conjuntos brasileiros selecionados:
Balé Isabel Gusman, Balletarrj Escola de Dança, Inspire Centro de Artes, Studio Le Dance, Vanessa Ballet.

Essa conquista reflete a dedicação e o talento da dança brasileira, que se destacará em um dos palcos mais importantes do cenário mundial. Boa sorte aos participantes!

Para mais informações sobre o evento, acesse www.worldballetcompetition.com

"O Lago dos Cisnes"
Theatro Municipal do Rio de Janeiro

Mayara Magri e Victor Caixeta, bailarinos brasileiros de renome internacional, farão sua estreia no palco do Theatro Municipal do Rio de Janeiro em maio, como bailarinos convidados para a produção de "O Lago dos Cisnes", com o Ballet e a Orquestra Sinfônica da casa. Mayara, Primeira Bailarina do Royal Ballet de Londres, é natural do Rio de Janeiro e começou sua carreira aos 8 anos, se destacando em competições como o Festival de Dança de Joinville.

Victor Caixeta, de Uberlândia, começou no ballet aos 12 anos e teve uma carreira internacional, com passagens por grandes companhias como o Teatro Mariinsky e Het National Ballet.

Ambos os bailarinos expressam grande emoção por dançar no Rio de Janeiro, relembrando suas origens e a trajetória que os levou ao sucesso internacional. Mayara destaca a importância de retornar aos palcos que marcaram o início de sua carreira e dividir sua experiência com o público brasileiro, enquanto Victor comemora a realização de seu sonho de dançar no Theatro Municipal.

As apresentações de "O Lago dos Cisnes" ocorrerão entre os dias 14 e 24 de maio, com Mayara e Victor se apresentando em datas específicas.

"The Body Black Festival" de Joseph Toonga
chega ao Brasil para abordar saúde mental
através da arte
 

O Brasil será palco de um evento artístico e social de grande impacto: "The Body Black Festival: Joy Isn’t Always Joy". A iniciativa combina dança, teatro e narrativa digital, com o objetivo de dar visibilidade a vozes negras e pardas, enquanto promove reflexões sobre saúde mental e identidade. Entre os dias 11 e 26 de abril de 2025, o festival terá sua fase de pesquisa e desenvolvimento no Rio de Janeiro.

Um Festival de Expressão Multidisciplinar
O The Body Black Festival (TBBF) é uma plataforma artística que encomenda e apresenta obras explorando as complexidades da vivência negra, abordando temas como solidão, depressão e suicídio. A peça central do projeto, "Joy Isn’t Always Joy", é uma produção de teatro-dança com duração de 60 minutos, criada pelo aclamado coreógrafo Joseph Toonga, que revela as batalhas internas mascaradas por sorrisos aparentes.

Joseph Toonga: Transformando Histórias em Movimento
Reconhecido por sua habilidade de unir hip hop e dança contemporânea, Joseph Toonga traz ao Brasil sua perspectiva inovadora. Sua trilogia, formada por "Born to Manifest", "Born to Protest" e "Born to Exist", mergulha em narrativas negras e recebeu aclamação internacional. Toonga, que já colaborou com instituições renomadas como o The Royal Ballet, é conhecido por desafiar limites e inspirar artistas ao redor do mundo.

Vitória Flores: Moda e Identidade nascida na Rocinha
Outra figura de destaque no projeto é Vitória Flores, designer de moda e figurinista com raízes na comunidade da Rocinha. Seu trabalho reflete suas origens e prioriza narrativas de grupos marginalizados, trazendo novos diálogos ao universo da moda. Atualmente professora no Istituto Europeo di Design (IED), Vitória transforma sua trajetória pessoal em inspiração para jovens designers.

Integração de Tecnologia e Saúde Mental
Mais do que uma obra de arte, "Joy Isn’t Always Joy" incorpora uma plataforma digital voltada ao suporte em saúde mental. A ferramenta fornecerá recursos de apoio para os participantes e o público, reforçando o impacto transformador do projeto. Com apresentações internacionais e iniciativas comunitárias, o festival busca deixar um legado duradouro.

Onde e quando
Ensaios: 11 a 26 de abril de 2025, no Centro Coreográfico da Cidade do Rio de Janeiro e na Biblioteca Parque Estadual.

Fase de Criação e Turnê: Junho a agosto de 2025.

Asunción Dance Competition 2025
O maior concurso de dança do Paraguai abre as portas para experiências internacionais.

De 10 a 17 de agosto, o Centro Paraguaio Japonês, em Assunção, será a sede do Asunción Dance Competition (ADC), um evento declarado de interesse cultural pela Secretaria Nacional de Cultura do Paraguai e reconhecido como a principal competição de dança do país.

Com mais de 3.000 participantes, 1.200 coreografias no palco e a presença de 20 jurados internacionais e nacionais, vindos da América Latina, Europa e Oriente Médio, o ADC 2025 se destaca como uma plataforma que promove formação, projeção artística e oportunidades reais para bailarinos em processo de desenvolvimento.

A competição abrange uma ampla variedade de estilos, incluindo dança clássica, neoclássica, contemporânea, técnica livre, jazz, danças populares, danças espanholas e danças árabes, entre outros, com categorias divididas por faixa etária.

Além da competição, o evento oferece:

• Masterclasses com jurados internacionais,

• Transmissão ao vivo,

• Feira de dança,

• Foodpark,

• Espaços de convivência,

• Prêmios que incluem bolsas de estudo e convites para festivais internacionais, graças a mais de 25 convênios ativos com instituições de todo o mundo.

O ADC nasceu com o objetivo de elevar o nível da dança no Paraguai, oferecendo uma organização de alto padrão, categorias justas por idade e grupo, e um sistema de avaliação que estimula o crescimento artístico.

Mais do que um concurso, o ADC é uma experiência transformadora, que une dança, cultura, inovação e projeção internacional.

ADC 2025: sua porta para novas experiências.

Siga no Instagram: @asunciondancecompetition
Contatos: asunciondancecompetition@gmail.com e (+595)991 414-779

TSL Shuffle Showcase 2025

O Time Free Step Brasil, composto por seis talentosos dançarinos e uma produtora cultural, representará o país pela primeira vez no Campeonato Mundial de Danças Eletrônicas, o TSL Shuffle Showcase 2025, que ocorrerá em Barcelona, Espanha, de 28 de março a 2 de abril.

Shuffle Showcase

Integrantes da Seleção Brasileira:

• Gustavo Henrique (@guherinque): Dançarino de São Paulo, conhecido por sua habilidade e inovação no Free Step.
• Guilherme Takeshi (@eutakeshi): Representante paulista, destaca-se pela técnica apurada e performances energéticas.
• Gabriel Alves (@mralves10): Natural de São Paulo, traz uma mistura única de estilos ao grupo.
• Julia Carolina (@juxcst): Dançarina paulista, reconhecida por sua expressividade e criatividade nas coreografias.
• Jorge Washington (@jorg._): Do Mato Grosso, incorpora elementos regionais em suas apresentações.
• Jefferson Costa (@jeff.tj): De Tocantins, é um dos pioneiros do Free Step na região Norte.
• Jamaika Marques (@angel_jamaika): Produtora cultural do Tocantins, responsável pela coordenação e logística da equipe.

O Free Step, também conhecido como Rebolation, emergiu no Brasil em 2007 e rapidamente ganhou destaque nacional e internacional. Esta será a primeira vez que uma equipe brasileira competirá no TSL Shuffle Showcase, evento que reúne mais de 300 dançarinos de mais de 20 países.

A participação do Time Free Step Brasil não só eleva o nome do país no cenário internacional das danças eletrônicas, mas também reforça a importância e o reconhecimento do Free Step como uma expressão cultural significativa.

Para acompanhar a jornada da equipe e apoiar os dançarinos brasileiros, siga o perfil oficial no Instagram: @timefreestepbrazil.

O TSL Shuffle Showcase 2025 promete ser um marco na história das danças eletrônicas, e o Brasil estará representado por uma equipe dedicada e talentosa, pronta para conquistar o mundo com seu ritmo e paixão.

“O Grand Jeté Asiático
Como Japão, China e Coreia do Sul Estão Redefinindo o Balé Clássico e Conquistando o Prix de Lausanne”

Prepare-se para testemunhar uma revolução na cena do balé clássico mundial! No palco do Prix de Lausanne 2025, uma nova força irrompe com elegância e técnica avassaladora: os bailarinos asiáticos. Com 70% dos finalistas oriundos do Japão, China e Coreia do Sul, o domínio asiático não é apenas uma coincidência, mas um manifesto artístico que desafia as antigas hegemonias do Ocidente.

A pergunta é inevitável: como esses jovens artistas, vindos de culturas tão distantes do berço europeu do balé, estão reescrevendo a história dessa arte atemporal?

Seria a disciplina implacável, o investimento sem precedentes ou uma fome insaciável por excelência?

Enquanto o mundo aplaude, a mensagem é clara: o futuro do balé clássico não apenas passa pela Ásia — ele é dançado, saltado e girado por ela.

A recente lista de finalistas do Prix de Lausanne 2025 destaca uma presença marcante de jovens bailarinos asiáticos, especialmente do Japão, China e Coreia do Sul. Dos 20 finalistas, 14 são oriundos desses países, com o Japão liderando com seis representantes, seguido pela China e Coreia do Sul, cada uma com quatro. Essa tendência não é um fenômeno isolado, mas reflete um movimento crescente de bailarinos asiáticos se destacando no cenário do balé clássico mundial.

Fatores que Contribuem para a Ascensão Asiática no Balé Clássico

Investimento em Educação e Treinamento: Países asiáticos têm investido significativamente na educação de balé, estabelecendo academias de dança de alto padrão que combinam técnicas tradicionais com metodologias ocidentais. Escolas renomadas, como a Beijing Dance Academy na China e a Sunhwa Arts High School na Coreia do Sul, têm produzido talentos que competem em nível internacional.

Disciplina Cultural e Ética de Trabalho: A cultura asiática valoriza a disciplina, perseverança e dedicação, características essenciais no treinamento rigoroso do balé clássico. Essa ética de trabalho contribui para a formação de bailarinos tecnicamente proficientes e artisticamente expressivos.

Apoio Governamental e Privado: Governos e entidades privadas em países asiáticos têm reconhecido o valor cultural do balé, oferecendo subsídios, bolsas de estudo e oportunidades de performance para jovens talentos. Esse suporte facilita o acesso a recursos necessários para o desenvolvimento artístico.

Intercâmbio Cultural e Globalização: A globalização tem permitido maior intercâmbio cultural, com estudantes asiáticos participando de programas de treinamento e competições internacionais. Isso não apenas amplia sua exposição, mas também enriquece sua formação com diversas influências estilísticas.

Desafios e Perspectivas Futuras

Embora a ascensão de bailarinos asiáticos seja evidente, eles ainda enfrentam desafios, como estereótipos culturais e barreiras linguísticas. No entanto, sua presença crescente em competições como o Prix de Lausanne indica uma mudança positiva em direção a uma cena de balé mais diversificada e inclusiva.

Em suma, a dominância asiática no Prix de Lausanne 2025 reflete anos de investimento, dedicação e talento. À medida que o balé clássico continua a evoluir, é essencial reconhecer e celebrar as contribuições de todas as culturas para essa forma de arte universal.

Essa é uma questão que vai direto ao coração da transformação que o balé clássico enfrenta hoje. Se por um lado a excelência técnica e a disciplina dos bailarinos asiáticos têm conquistado palcos e competições de prestígio, por outro lado, paira a dúvida: os diretores das grandes companhias do Ocidente realmente abraçam essa diversidade, ou ainda buscam uma "estética ocidental" tradicional?

O balé clássico, nascido na Europa, sempre carregou traços culturais que moldaram não só a técnica, mas também a estética desejada — do porte físico à expressão artística. Para alguns críticos, há um receio de que a padronização global possa "diluí-lo", afastando-se de suas raízes. No entanto, o talento dos bailarinos asiáticos desafia essa ideia: eles não apenas dominam a técnica, mas também trazem um frescor cultural que enriquece a arte.

Abertura vs. Resistência

Companhias Mais Receptivas: Companhias como o Royal Ballet, o American Ballet Theatre e o Paris Opera Ballet têm recrutado talentos asiáticos consistentemente, muitas vezes reconhecendo que a diversidade não só reflete o mundo moderno, mas também é um ativo artístico.

Barreiras Subtis: Ainda assim, há relatos de que algumas audições priorizam bailarinos que "se encaixam" em uma imagem idealizada, dificultando a ascensão de artistas que fogem a esse padrão.

Narrativas e Expressividade: Outra crítica é a percepção de que bailarinos asiáticos, embora tecnicamente brilhantes, às vezes encontram desafios em transmitir "narrativas universais" no palco, devido a diferenças culturais. Isso, contudo, é um estereótipo que muitos artistas asiáticos vêm quebrando com interpretações emocionantes e memoráveis.

O Que Está em Jogo

A verdadeira questão é: o balé clássico está pronto para ser uma arte verdadeiramente global? A dominância de bailarinos asiáticos em competições como o Prix de Lausanne é uma chamada à reflexão para diretores e audiências. Buscar o "traço ocidental" em tempos de globalização é não apenas anacrônico, mas também um desperdício do talento que já redefiniu os parâmetros da excelência no balé.

Afinal, o palco deveria ser um lugar para o mérito e a arte transcenderem fronteiras — não um espaço para perpetuar estéticas exclusivistas. O Prix de Lausanne 2025 pode ser um ponto de virada, mas a mudança real acontecerá quando todos os holofotes das grandes companhias também refletirem essa nova era.

O Prix de Lausanne, com sua reputação de mais de 50 anos, é amplamente considerado um dos eventos competitivos mais prestigiados do balé clássico mundial. Contudo, é válido questionar: ele realmente define os parâmetros do que é excelência no balé, ou é apenas um palco para jovens promessas que nem sempre encontram espaço nas grandes companhias?

O Prix de Lausanne como Parâmetro

Reconhecimento Global: O concurso é conhecido por revelar talentos que se tornam estrelas, como Carlos Acosta, Darcey Bussell e Diana Vishneva. Isso fortalece sua imagem como uma vitrine de futuros protagonistas da dança.

Ligação com Grandes Escolas e Companhias: Finalistas e laureados frequentemente recebem bolsas para escolas renomadas como Royal Ballet School, Bolshoi Academy ou Paris Opera Ballet School, ou contratos com companhias como Stuttgart Ballet ou The Royal Ballet. Esse vínculo reforça a influência do concurso como uma "porta de entrada" para carreiras de destaque.

Padrão Técnico e Artístico: O Prix exige um equilíbrio entre virtuosismo técnico e interpretação artística, o que o torna um termômetro daquilo que o mundo do balé valoriza em jovens bailarinos.

Limitações do Prix de Lausanne

Recorte de Idade: O foco em bailarinos de 15 a 18 anos limita o concurso a talentos em estágio inicial, o que significa que ele pode não captar a evolução completa de um artista.

A Preferência por um Perfil Técnico: Alguns críticos argumentam que o Prix favorece um estilo técnico altamente polido, deixando pouco espaço para a individualidade ou para traços mais marcantes que muitas vezes surgem com a maturidade artística.

Fora do Radar de Algumas Companhias: Apesar de sua influência, algumas companhias de balé ou contemporâneas não o consideram determinante, optando por selecionar bailarinos com características mais específicas às suas identidades artísticas.

O Prix é um Espelho ou uma Bússola?

O Prix de Lausanne pode ser visto como um espelho do que o balé clássico valoriza no momento — técnica impecável, potencial artístico e uma imagem jovem e moldável. No entanto, ele não é necessariamente uma bússola que dita os rumos da dança como um todo. Muitos bailarinos fora de seu radar alcançam destaque internacional por outros caminhos, seja em competições diferentes ou simplesmente por se destacarem em companhias.

Portanto, o Prix de Lausanne é uma peça importante no quebra-cabeça do mundo do balé, mas não o único parâmetro. Ele reflete tendências e abre portas, mas o verdadeiro impacto vem da capacidade dos finalistas e laureados de transcenderem o palco competitivo e se afirmarem como artistas em um cenário global cada vez mais diversificado.

Embora o Prix de Lausanne seja uma referência consolidada no mundo do balé clássico, ele não é o único palco que define os rumos dessa arte. Competições como o World Ballet Competition, nos Estados Unidos e Tanzolymp na Alemanha, oferecem uma abordagem igualmente rigorosa, mas com foco em um leque mais amplo de idades e categorias, destacando talentos emergentes e artistas já maduros.

Além disso, eventos como o recém-lançado Portugal Dance Competition surgem como promissores novos espaços para bailarinos mostrarem suas habilidades. Este concurso, em particular, busca valorizar tanto a técnica quanto a expressão artística em uma atmosfera de inovação e acolhimento cultural, refletindo o crescente interesse pela dança em todo o mundo.

Esses eventos provam que o balé é uma arte com inúmeras faces e oportunidades. A verdadeira essência da dança transcende qualquer competição, sendo o talento, a paixão e a dedicação os verdadeiros parâmetros que moldam o futuro do balé clássico.

Reflexão Final

O palco do balé clássico está mais global do que nunca. O domínio asiático no Prix de Lausanne é apenas o começo de uma nova era. Porém, a verdadeira revolução acontecerá quando todas as grandes companhias reconhecerem o valor da diversidade e abraçarem essa riqueza artística.

Afinal, o balé é mais do que técnica ou estética: é uma expressão universal da humanidade. E, nesse sentido, não há fronteiras que possam contê-lo.

BRASILEIRA  CONQUISTA O MUNDO DA WEST COAST
E
CONSTRÓI CARREIRA DE SUCESSO INTERNACIONAL

 A dançarina Fernanda Dubiel, que nasceu em Curitiba, é uma brasileira  apaixonada por dança desde a infância. E que na busca de seus sonhos conquistou os   palcos internacionais e, atualmente, representa o Brasil em competições e eventos de West Coast Swing (WCS) em mais de 30 países. A trajetória dessa dançarina de 25 anos é marcada por desafios, superações e, acima de tudo, pelo amor à dança.

A dançarina foi uma das finalistas na competição mais renomada do mundo, o US Open Championships (Burbank, CA) com a coreografia “I WANNA DANCE WITH SOMEBODY”. Além disso, ela conquistou 1° Lugar em eventos internacionais como:  Boogie by the Bay (São Francisco, CA), Capital Swing (Sacramento, CA), Atlanta Swing Classic (Atlanta, GE) , entre outros.

  A relação de Fernanda com a arte começou cedo. Aos três anos, iniciou aulas de dança e, aos sete, teve o primeiro contato com a dança de salão, acompanhando a irmã mais velha nas aulas preparatórias para uma festa de debutante. Encantada pelos movimentos, aproveitava os intervalos para tentar replicar os passos. Esse entusiasmo chamou a atenção do dono da escola de dança, que lhe ofereceu uma bolsa de estudos. Foi o início de uma jornada que transformaria sua vida.

  Aos nove anos, um workshop de um novo ritmo em Florianópolis marcou o início de uma paixão duradoura pelo West Coast Swing. “Foi incrível! Eu podia dançar as músicas do pop que tanto gostava. Conheci Jordan Frisbee e Tatiana Mollmann, grandes referências no estilo, e me encantei também com o idioma que falavam. Na semana seguinte, comecei a estudar inglês”, conta.

  A dedicação à dança e ao aprendizado do idioma logo deram frutos. Aos 14 anos, ela viajou para San Diego, nos Estados Unidos, para competir em uma das maiores competições de WCS da época. Na ocasião, conquistou o terceiro lugar no Jack and Jill e venceu o Pro Am, dançando ao lado do renomado Jordan Frisbee. De volta ao Brasil, as portas começaram a se abrir. Convites para workshops na Argentina e em outros estados brasileiros passaram a ser frequentes, e cada dólar economizado era investido em novos retornos aos Estados Unidos para participar de eventos internacionais.

  Em sua terceira viagem a San Diego, ela recebeu o Bob Preiss Award, um prêmio de reconhecimento no circuito de dança. A partir de então, tornou-se presença constante nos principais eventos internacionais, sendo convidada como “Guest VIP” para diversas edições.

  Aos 16 anos, a dançarina fez um intercâmbio de um ano em  Lyon, na França, onde teve a oportunidade de treinar com alguns dos melhores dançarinos de WCS fora dos Estados Unidos. “Foi um período muito importante para o meu crescimento técnico e artístico”, relembra.

  Em janeiro de 2023, a dançarina deu um passo ousado em sua carreira ao se mudar para a Polônia, após obter a cidadania polonesa por meio de seu bisavô. Inicialmente contratada como gerente de marketing de uma empresa especializada em sapatos de dança, ela decidiu se dedicar exclusivamente à dança, viajando praticamente todos os finais de semana para competir, julgar e ministrar workshops.

  Hoje, a Fernanda é uma das principais representantes do West Coast Swing no mundo, sendo a única brasileira a competir regularmente em três continentes e 27 países. “O West Coast Swing ainda é visto como uma modalidade elitista, mas acredito que minha trajetória mostra que é possível aprender e se destacar, independentemente de onde você vem. Representar o Brasil em um estilo de dança 100% americano é um desafio, mas também uma honra imensa”, afirma.

Com uma agenda lotada de compromissos internacionais e um histórico de conquistas, a dançarina continua a escrever sua história no mundo da dança, inspirando jovens talentos brasileiros a acreditarem no potencial transformador da arte. “Meu objetivo é mostrar que, com dedicação e paixão, é possível alcançar o que parecia impossível. A dança é o meu idioma universal, e é através dela que eu me conecto com o mundo”, finaliza.

Competição Internacional de Coreografia de Hanover abre inscrições para sua 39ª edição

A renomada Ballett Gesellschaft Hannover anunciou a abertura das inscrições para a 39ª Competição Internacional de Coreografia de Hanover. O evento, que celebra a diversidade artística e a inovação na dança, é direcionado a coreógrafos e bailarinos de formação profissional, de qualquer estilo artístico, com idade máxima de 39 anos.

Critérios de Participação
Os candidatos devem apresentar coreografias com duração entre 5 e 12 minutos, que serão avaliadas com base na criatividade no uso de espaço e tempo, na realização da ideia coreográfica e na sua transferência para os intérpretes. Coreografias solo não podem ser interpretadas pelos próprios coreógrafos.

Premiações
A competição oferecerá prêmios de grande prestígio:

Prêmio Tanja Liedtke: € 25.000
Prêmio Ruth Schwieger: € 5.000
Prêmio do Público: € 1.000

Júri Especializado
O júri será composto por grandes nomes da dança internacional, incluindo:

Adolphe Binder (Diretor Artístico, Ballett Theater Basel)
Christian Blossfeld (Diretor, Ballet Staatsoper Hannover)
Katrin Hall (Diretora Artística, Göteborgs Operans Danskompani)
Roni Haver (Diretora Artística, Club Guy & Roni Groningen)
Christiane Winter (Diretora do Festival TANZtheater INTERNATIONAL, Hannover)
Gregor Zöllig (Diretor Artístico e Coreógrafo Chefe, Tanztheater Staatstheater Braunschweig)

Premiações de Produção
Além dos prêmios principais, a competição oferece Prêmios de Produção, que incluem honorários mínimos de € 3.000, despesas de viagem e estadia durante os ensaios, e suporte para a criação de uma coreografia de pelo menos 20 minutos com quatro ou mais dançarinos. Diretores de companhias renomadas selecionarão os vencedores, entre elas:

Theater Linz (Diretora: Roma Janus)
Nationaltheater Mannheim (Diretor: Stephan Thoss)
Theater Chemnitz (Diretora: Sabrina Sadowska)
Gärtnerplatztheater München (Diretor: Karl Alfred Schreiner)
Inscrições
Os interessados devem se inscrever até 15 de março de 2025 através do site oficial (www.choreography-hannover.de).

O evento promete destacar os novos talentos da dança contemporânea, oferecendo uma plataforma para a inovação e o desenvolvimento artístico.

Mais informações:
📩 E-mail: info@choreography-hannover.de
🌐 Site oficial: www.choreography-hannover.de

Cisne Negro

Cisne Negro é um novo balé que terá a sua estreia mundial em Paris, no 13th Art, de 29 de outubro a 3 de novembro de 2024, para 7 representações inéditas. Ao som da música de Tchaikovsky, o público descobrirá os bailarinos da Companhia de Dança Contemporânea de Szeged.

Cisne Negro promete mostrar a história por detrás do Lago dos Cisnes que nunca imaginou! A protagonista, a esquizofrénica Odette, debate-se numa destas instituições com outros pacientes. Na sua imaginação, ela é uma rainha dos cisnes. Assiste a bailes, vai a palácios, anda para trás e para a frente entre o seu passado, o seu presente e o seu futuro, que nunca chegará. A solidão do quarto de hospital ou o colete de forças não podem limitar a asa da fantasia...
O bailado é interpretado pela mundialmente famosa Companhia de Dança Contemporânea de Szeged, fundada em 1993 na Hungria. A companhia de dança contemporânea, conhecida pelas suas criações originais que combinam dança, teatro e artes visuais, é dirigida por Tamás Juronics. As suas coreografias exploram frequentemente temas filosóficos e sociais, com uma estética marcada pela procura do movimento e da emoção.

A companhia de dança húngara promete mais do que um ballet: Cisne Negro deve ser uma experiência imersiva que ultrapassa os limites da criatividade artística. O seu coreógrafo, Tamás Juronics, foi recentemente galardoado com o prémio KOSSUTH 2023 e recebeu inúmeros prémios internacionais. Um espetáculo de dança moderna a não perder!

Ballet de Cegos será atração durante as Paralimpíadas

Na Casa Brasil Paralímpico, em Saint-Ouen-sur-Seine, um dos destaques será a Companhia Ballet de Cegos da Associação Fernanda Bianchini. Pioneira e única no mundo, a companhia transporta ao público uma série de apresentações que exemplificam a inclusão por meio da arte. Com apresentações programadas para os dias 30 e 31 de agosto, e 1, 2, 4, 5 e 7 de setembro, a companhia apresentará coreografias como “O Velho e a Flor”, “Samba” e “Tributo às Olimpíadas”. “Paris será mais um sonho realizado por esta companhia que aprendeu desde muito cedo a nunca desistir”, disse Fernanda Bianchini, fundadora da Associação. Segundo ela, as apresentações, que vão do balé clássico ao samba, são qualificadas com dedicação e amor, destacando o protagonismo dos bailarinos cegos.

Fundada em 1995, a Associação Fernanda Bianchini é reconhecida por sua contribuição significativa à inclusão social por meio da dança. A organização desafia preconceitos e promove a valorização das capacidades artísticas de pessoas com deficiência visual. “Hoje, nos nossos espetáculos, o que eu mais escute é: ‘Elas não enxergam? Onde está a deficiência?’. Quando a deficiência não é vista no palco e sim a bela arte, é a certeza de que alcançamos nossos objetivos. A A presença da companhia nas Paralimpíadas reflete essa trajetória de luta e conquista”, comentou Fernanda.

A Casa Brasil Paralímpico funcionará das 15h às 22h, oferecendo uma programação diversificada que inclui atrações, diversas apresentações e performances da Companhia Ballet de Cegos. “A participação da companhia nas Paralimpíadas é um marco para nós. Mostrar que a deficiência visual não é um impedimento para a arte e para a realização de sonhos é um dos nossos principais objetivos”, afirmou Bianchini, destacando que cada apresentação é uma mensagem de superação e inclusão.

Breaking dá Adeus aos Jogos Olímpicos após Apenas uma Edição:
O que levou à decisão e como isso impacta o esporte no Brasil?

O Breaking, que fez sua estreia olímpica nos Jogos de Paris 2024, já está se despedindo do maior palco esportivo do mundo. O Comitê Olímpico Internacional (COI) anunciou recentemente que a modalidade não será incluída nos Jogos Olímpicos de Los Angeles em 2028, uma decisão que surpreendeu tanto os atletas quanto os fãs do esporte.

A Ascensão e Queda do Breaking Olímpico

A inclusão do Breaking nas Olimpíadas de Paris foi um marco histórico. O esporte, que surgiu nas ruas do Bronx, em Nova York, nos anos 1970, evoluiu de um movimento cultural para uma competição de alto nível. Durante os Jogos de 2024, o Breaking não só trouxe um novo público para as Olimpíadas, mas também destacou atletas como a americana Rachel Gunn, conhecida como Raygun, cuja performance eletrizante conquistou corações e mentes.

No entanto, mesmo com a aclamação e popularidade entre os jovens, o COI decidiu não manter o Breaking no programa olímpico de 2028. Segundo fontes próximas ao comitê, a decisão foi influenciada por uma série de fatores, incluindo a pressão para incluir outros esportes emergentes e a necessidade de equilibrar o número de modalidades. Apesar das origens do Breaking nos Estados Unidos, a modalidade não garantiu o espaço necessário no competitivo cenário olímpico.

A Repercussão e o Futuro do Breaking

A exclusão do Breaking causou descontentamento na comunidade global de dançarinos e fãs do esporte. No Brasil, onde o Breaking tem ganhado cada vez mais popularidade, a notícia foi recebida com decepção. Os atletas brasileiros, que estavam se preparando para competir em Los Angeles, agora enfrentam um futuro incerto.

A Importância da Deliberação Brasileira

Em meio ao cenário internacional, uma revelação impactante veio à tona no Brasil. Recentemente, um grupo de atletas e dirigentes brasileiros afirmou, em uma delação coletiva, que a exclusão do Breaking foi influenciada por pressões comerciais e políticas dentro do COI. Segundo essas fontes, havia uma forte pressão para que esportes mais tradicionais e com maior apelo midiático fossem priorizados, mesmo que isso significasse sacrificar modalidades emergentes como o Breaking.

Essa delação trouxe à tona discussões sobre a transparência e os critérios utilizados pelo COI para determinar as modalidades olímpicas. Muitos críticos agora questionam se o processo de seleção de esportes está sendo guiado por interesses financeiros em vez de considerações esportivas.

O Legado e a Luta pelo Reconhecimento

Apesar do revés, a comunidade do Breaking está determinada a continuar promovendo o esporte e lutar por seu lugar nos futuros Jogos. Em várias partes do mundo, incluindo o Brasil, já há movimentos para pressionar o COI a reconsiderar a decisão ou, ao menos, garantir que o Breaking possa retornar nas Olimpíadas de 2032.

A exclusão do Breaking dos Jogos de 2028 é um lembrete de que, no mundo das Olimpíadas, nem sempre o sucesso e a popularidade imediata são suficientes para garantir a continuidade de uma modalidade. O futuro do Breaking como esporte de elite ainda está em jogo, mas a paixão e a dedicação de seus praticantes certamente continuarão a impulsionar o movimento.

Conclusão

A decisão do COI de excluir o Breaking das Olimpíadas de Los Angeles em 2028 foi recebida com surpresa e frustração, especialmente no Brasil, onde o esporte tem crescido em popularidade. As alegações de pressões políticas e comerciais que influenciaram essa decisão lançam uma sombra sobre o processo de seleção olímpica, e o futuro do Breaking agora pode depender do apoio contínuo de sua comunidade global.

Ballet de l’Ópera National de Paris
Don Quixote – Segundo Miguel de Cervantes
Cor. e mise-en-scène Rudolf Nureiev segundo Marius Petipa
Mús. Ludwig Minkus, arranjo musical John Lenohbey
Por Celi Barbier
 

Esplendor da coreografia e do Ballet de l’Ópera de Paris- Antes de começarmos a falar do radioso espetáculo, um pensamento sobre a fabulosa obra literária, que atravessa os séculos desde 1605/1615. Do autor quase não se fala. Seria importante? – alguém perguntou. “Tudo vale a pena se a alma não é pequena”; Resposta óbvia do nosso querido Pessoinha, Fernando Pessoa para os menos avisados. Importante instruir, a mente amando. Don Quixote, a segunda obra mais editada depois da Bíblia, traduzida em 60 idiomas e, a partir do século XVIII temática, para digressões literárias e artísticas, e também filosóficas. 
Os nossos leitores não se arrepiem. Não contaremos sua biografia, tão extensa e interessante como sua obra, cuja segunda parte conta 59 capítulos, engenhosamente narrativa escriva durante dez anos, a primeira parte publicada em 1605. Miguel de Cervantes Saavedra nasceu em Alcalá de Henares, Espanha, em 1547, e falecerá um ano depois da publicação da segunda parte de seu Don Quixote em 1616, sem saborear, finalmente, o sucesso bem merecido. Foi o quarto filho de uma família de sete crianças, família modesta, o pai barbeiro-cirurgião, já na época. Cortar o cabelo, afinar a barba segundo os traços do rosto, desenhar finamente o bigode, mas também ajudando quanto às necessidades médicas e as sangrias. 

A família viajava de cidade a cidade à procura de uma vida mais segura e melhor remunerada. Imaginamos que essas andanças influenciaram a personalidade do jovem Cervantes e suas futuras andanças – imaginárias e reais -, germinando quem sabe, já, seu Quixote. Ávido de leitura, devorava livros e livros, pois a curiosidade é filha da inteligência. Mesmo sem estudos universitários, passou por uma escola jesuíta , ao que parece, como consta em sua própria novela ‘Histórias Exemplares – aliás uma miniatura literária das melhores (1613). Muito interessante saber que continuaria os estudos numa renomada escola “erasmista”, segundo os conceitos religiosos e filosóficos de Erasmus, encarnando o espírito do humanismo contra “todos os fanatismos” (1463-1536).
Seu mestre Juan López de Hoyos, da Escola Municipal de Madri, refere-se a ele como “um adorável aluno”. Suas idéias filosóficas sobre a religião nos parece precursora do Século das Luzes (XVIII), o pensamento de Voltaire que prega esmagar as superstições e nunca a fé. O ano de 1569 foi determinante. Seu poema fúnebre sobre a jovem Rainha Elisabeth de Valois, no reinado de Philipe II, mereceu a confiança do soberano.  
1563 – uma página importante inscreve-se no seu destino. Partindo para a Itália, mais para fugir da Espanha depois de um tumultuado período de duelos, desesperanças, mais andanças. Alista-se na Armada espanhola. Durante a batalha de Lepanto, perde o braço esquerdo. Segundo a Enciclopédia Bordas, a mão esquerda e um terço do braço, daí o apelido de O Manco de Lepanto. Voltando à Espanha, foi capturado por piratas (1575) e feito prisioneiro dos argelinos durante cinco anos, na prisão começará a segunda parte de seu Don Quixote. Resgatado por 500 escudos de ouro em 1580, chega de volta à pátria.

Vamos dizer que Cervantes, aliás Alonso Fernández de Avellaneda, pseudônimo que preferiu usar para “assinar” a última parte de seu Don Quixote, os 59 capítulos sob o título de “Segundo tomo do engenhoso fidalgo Don Quixote de la Mancha”.  Para provar a identidade da obra, o confessor de Philipe II e Lope de Vega e Cervantes ele mesmo. “Sim, Don Quixote nasceu por mim mesmo e eu para ele: ele agiu e eu escrevi. Nós fomos feitos um para o outro”.

Ainda falaremos de Cervantes, seu Don Quixote e sua influência em vários setores das artes, até nossos dias, passando pela Dança, Marius Petipa, Rudolf Nureiev e o Ballet da Opera de Paris. Pouco importa à obra, vasta. Peças de teatro, poemas, poesias satíricas, comédias, múltiplas novelas contam o pitoresco das cidades espanholas, com humor e vivacidade. Experimentou com sucesso, às vezes pouco, todos os gêneros literários, salvo o romance épico. “Na delicada articulação entre a Idade Média e os tempos modernos, com uma imaginação transbordante, soube unir o fantástico à realidade e pintar seus personagens da cor da universalidade”.
Viajaremos com eles na próxima edição.            
 

Nationaltheater Manheim

Ballet do Nationaltheater

Criação mundial: “Schwerelos”

(‘Liberto da Gravidade’)

Cor. Stephan Thoss; costume, cenários, luzes R. Liebig, N. Berry

Mús. A. Gosfield, K.M. Karlsen, J. S. Bach

Liberto da Gravidade

Parte II

Por Celi Barbier

Gostaríamos de citar algumas frases do programa, para maior compreensão dos leitores, no ensaio ‘Schwerelos’: leveza (gás) e peso (pedra). Isso deu origem a ideias sobre subir (com facilidade) ou voar e cair. Na Física,  massa e peso são iguais. A massa de um objeto é igual em todos os lugares; o peso depende da localização. Um objeto na Lua é seis vezes mais leve que na Terra.

Continuamos com a gravidade terrestre junto ao “Cosmos”, que nos parecem obras complementares, cujos temas são interessantes e originais. Apesar de Thoss guardar as linhas, por assim dizer, de pés no chão. “O que me parece importante na atual situação é que tenhamos mais consciência das coisas. Por exemplo, olhamos para o céu, talvez seja noite e desejamos partir, mas não sabemos como é bonito aqui em baixo. Olhamos para o céu e finalmente gostaríamos de estar lá, onde não há consistência mas só obscuridade e, o mais importante, não existe gravidade. Aqui para nós, é importante a força da gravidade, de atração das massas, umas contra outras. É maravilhosa essa pesquisa sobre a gravitação, o sistema solar, os planetas. Interessante o pensamento sobre uma grande família onde a massa é maior, e uma pequena família, uma massa menor. Olhamos para o céu com nossos pés firmes na nossa maravilhosa Terra, na festa das flores, das árvores da floresta que se entrelaçam e que são quase um símbolo da nossa Terra, em relação ao cosmos, na sua complementaridade”.

Ruídos, seres armados, ao solo, e suas vítimas. Obscuridade, atmosfera densa. Como a obra é abstrata, nenhuma possibilidade de contá-la, senão seguir a música-coreografia e a emoção sentida, a participação – junto às luzes, à obscuridade e aos silêncios. As composições de A. Gosfield estão entre música e ruídos. Mulheres em saias longas correm (1º. Solo, Karlsen-Cello), umas atrás das outras, em jogo de saias, vivendo o movimento dos corpos. Depois, o silêncio, apenas tolerável. Três homens, uma mulher, duas mulheres, uma delas sentada de costas ao público. Os seis se procuram e se encontram no fundo de uma memória desesperada. Respiração. Os “soldados” voltam com suas saias negras em plissé, um estranho belo momento. Plasticidade, Um solo do soldado mais além do desespero e do sofrimento. As mulheres e eles. Simbologia das mãos fechadas sobre o rosto, chorando, e das mãos abertas em torno do rosto. Agora são mãos abertas de perguntas, mãos cruzadas com “ele”, de força. O homem de poder, as mãos apontadas para o solo, com violência. Cada um no seu universo e seu destino. Depois, um jogo de luzes psicodélico, em que tudo vai mais rápido e mais rápido ainda, como um “big bang”. A luz então fica clara, deixa ver um “soldado” no meio dos corpos. Lindo momento, piano e duo, magnífica a bailarina... Todos em círculo à volta dos soldados, estes transformados em flores.

Como acentuamos na Parte I, a música é para Thoss o fator primordial de suas obras. Esta, como sempre das mais originais, surpreende pela escolha e tratamento da trilha sonora. A. Gosfield, compositora americana nascida em Filadélfia (aqui, sua obra é Manufacture of Tangled Ivory), fez seu nome com composições “não musicais”. Um estágio em Nürenberg para pesquisa de possibilidades acústicas, de ruídos, lhe fez “tão bem” que resolveu passar à música de câmera, criando também seu próprio grupo de ópera e orquestra. Em 2017, sua primeira ópera serviu de fundo musical para o filme de Orson Welles ‘ A Guerra dos Mundos’.

K. M. Karlsen é um dos mais marcantes compositores noruegueses. Primeiramente organista para igrejas, seu Quarteto no. 3

op 121 fascina pela importância dada ao Cello. Intensidade, nuanças e dissonâncias dos Fortefortissimos acordes (David Rolf, Sociedade dos Compositores Noruegueses, 2000). Quanto ao Concerto em Ré menor BWV 974: II Adagio, de J.S. Bach, que dizer de uma de suas obras primas?

‘Liberto da Gravidade’ é um detonador de emoção. Como um mago, Thoss nos leva ao que tantos famosos coreógrafos tentam atingir. Pensamos, a princípio, ser uma obra metafísica, o que vem depois ou além de (meta) da física. Quer dizer, tudo o que não é dado pela experiência sensível, mesmo necessária à inteligência da realidade. Kant tampouco nos contentou com sua definição (Deus, Alma e o Mundo), ou Heidegger, que parte da realidade humana do ser ou compreensão do ser. Fomos ainda procurar pelo lado da Esperança. Que tem a ver, no Cristianismo, com crença e o amor. Já Kierkegaard analisa a consciência humana pelo desespero; este é universal, embora incompreensível ou incompreendido.  Para os existencialistas, seria o contrário do medo, seja o ser e o futuro.    

Enfim, pensamos que Schwerelos tem a força da não-mensagem, que a obra é suficiente a ela mesma, mais próxima da astrofísica que da nossa pobre história da Esperança. Já diz, então, Stephan Thoss, para nos tranqüilizar: “Alguém, realmente, quer ir para o espaço por mais tempo? Estariam as pessoas não bem aconselhadas para pensarem em salvar o planeta azul? Você pode sonhar menor? Não seria aconselhável que as pessoas se envolvessem na salvação do planeta azul? Dois componentes foram associações formativas nos trabalhos dos ensaios de Schwerelos: leveza (gás) e peso (pedra). Isto deu origem a ideias de subir (com leveza) ou de voar e cair”.

Mas, e a Dança nisto tudo, minha Sra.? Magnífica. Onze bailarinos thossianos de alto nível, porque o coreógrafo exige muitíssimo, que seja artística, mental, técnica e musicalmente. Colados à música e concentradíssimos, esquecendo as dificuldades do pequeno espaço e das parcas possibilidades das luzes, fizeram de seus corpos exemplares a magia desta obra profundamente emocional. Devemos citá-los todos: E.K. Tilson, L. Cheng, J. Bergmans, S. Cassata, A.D. Francesco, A. Galindo, J. Headley, A.C. Samion, L.T. Torres, R. Tan, L. Terzo.

Uma bela novidade: a obra, junto a Kosmos (parte III), foi convidada pelo prestigioso Balé de Sttutgart para apresentar-se, proximamente.

Nos dias:

28-05-2024

07-06-2024

05-07-2024

12-07-2024

Parabéns.     

Kosmos

National Ballet Manheim

Balé do Nationaltheater

‘Kosmos’

Cor. e cenário Andonis Foniadakis

Música-vídeo Julian Torride

Costumes Anastasious Sofronious

Por Celi Barbier

“Kosmos” (Cosmos)

O coreógrafo A. Foniadakis ostenta um palmarès extraordinário. Nascido na Grécia, na belíssima ilha de Creta, ali surpreendentemente começou seus estudos de dança clássica. Diplomado pela Escola de Dança do Estado de Atenas, ganha a Bolsa de Estudos Maria Callas e, logo depois, parte para aperfeiçoamento em Rudra Béjart Lausanne, na Suíça. Dois anos. Estamos agora em 1994, quando entra para o Béjart Ballet Lausanne, seguindo-se o Lyon Opera Ballet e a consagração como bailarino, dançando obras de S. Teshigawara e também de prestigiosos coreógrafos, como M. Marin, J. Kylian, W. Forsythe, N. Duato, M. Ek, M. Béjart, O. Naharin, entre outros. A lista é grande, e maior ainda a de suas obras encenadas, doravante. Citaremos só algumas: Companhia Nacional de Dança de Espanha, Martha Graham Dance Company, Genève Ballet, Lyon Opera Ballet, Rambert Dance Company e, no Brasil, o Balé da Cidade de São Paulo e o Washington Ballet. E por aí vai. De Stuttgart a Sydney, com pleno sucesso. Sem falar nos prêmios. Por ‘Las Noces’ (I. Stravinski), para a Ópera de Firenzi, foi honrado com o MaggioDanza 2018. Por ‘Galaxy’, o prêmio da crítica especializada e a Associação de música e dança da Grécia. Em 2016, foi nomeado diretor de balé do Nacional Ballet da Grécia, mas já desde 2003 tinha sua própria companhia em Lyon, Apotosoma - Andonis Foniadakis, onde continua a apresentar suas obras.

“Cosmos”

Um bailarino entra em cena, sapateado e ritmo nas mãos, costume negro. Ao longe, imagens de erosão, destruição;  ainda a gesticulação de mãos. Surge uma moça, longos cabelos louros, em contraste com os dele, negros e encaracolados. Particularmente belo. Música em tons orientais, obsedante. Ele continua com o ritmo nas mãos. Começam do começo. Tocam a pele um do outro. Voz de mulher, como uma estranha prece. A música forte hipnotiza. Duo masculino e feminino iguais. Dança lembrando a dos dervixes. Embriagante. Magia dos cabelos soltos, sob a luz dourada, azul e negra, iluminando-se e apagando-se. A composição aqui parece dar mais e mais dramaturgia à coreografia. Sucede-se um impressionante duo, entre os grand-sauts, movimentos ao limite das dificuldades físicas, de rapidez, de técnica.

Apesar da loucura dos movimentos e saltos, piruetas e trabalho ao solo, as linhas cênicas são respeitadas, bem como suas formas no espaço. Tal como uma das definições da obra, há uma fuga ao Cosmos, que faz parte do Infinito. Longe da gravidade terrestre, um beijo a dois. A música sinfônica, nesse momento, exige que a preencham pelos gestos, fluidez e mesmo rapidez, saindo do selvagem. Um belo pas de deux, com portés clássicos, não foi suficiente para justamente preencher a composição musical. Fazer-se arrastar. Um rapaz, depois as moças arrastam os homens. As “tablas” iniciam um novo momento (falta, a meu ver, um melhor trabalho de torso), que parece um pouco longo, mesmo se há um êxtase no final, quando entra um bailarino, collant cor da pele, sob a luz branco-dourada. Todos os bailarinos caminham para trás, em linhas puras. É belíssimo... Sob instrumentos de corda, uma mensagem contínua com portés, e um círculo se forma. Homens e mulheres encontram-se, abraçam-se e se beijam... e se deixam.

Obras complementares, certamente, “Schwerelos” de S. Thoss e “Kosmos” de A. Foniadakis. Respeitando a “ordem do universo”, definição de “Cosmos”, do grego antigo “Kosmos”, faz parte do universo, este Infinito compreendendo a Terra e o sistema solar. Enfim, parece que não há um “depois no espaço” e que o espaço não tem limites. Mais bonito ainda, o “Universo e suas leis, ou de modo mais geral, todo o Universo real ou surgindo de uma concepção científica ou fantástica”.          

“Kosmos” Mús. Julien Tarride

Não poderíamos deixar de falar do compositor desta esplêndida obra. Percurso atípico e fabuloso. Além de compositor, artista de artes plásticas, começa seus estudos de música clássica, interessa-se pelo jazz e pela música contemporânea e eletrônica. Como Foniadakis, passa pelo Conservatório de Música de Lyon (1997-2002). Ao mesmo tempo, frequenta a Academia Nacional de Artes Plásticas de Lyon e ainda (ufa!) estudos no Estúdio Nacional de Artes Contemporâneas de Lyon do Fresnay, no setor cinema e novas tecnologias. Assim pode trabalhar, nem mais nem menos, com J-Luc Godard, C. Akerman, D. Link, entre outros.

A partir de 2002, Tarride trabalhará como compositor e coreógrafo para A. Foniadakis, B. Millepied, D. Brun, K. Ossola. Compositor para grandes obras coreográficas de prestigiosas companhias, como a Martha Graham Dance Company e a National Dance Company of Wales, trabalha também com outros , artistas plásticos, escritores e meteurs-en-scène de filmes. Continua em expansão, como também o espaço. Combina as artes de teatro com as artes de representação, as novas tecnologias geradas por computador, partituras, vídeos e imagens de computador em 3D. Sua composição “Kosmos”, criada primeiramente em 26 de outubro 2014 para o Les Ballets Jazz de Montréal foi, certamente, retrabalhada para a Casa de Dança do Nationaltheater Manheim. Uma obra forte, densa, que seja pela rapidez dos “tempi”, pela parte oriental e das tablas, que obtêm uma extensão até uma parte sinfônica, inesperada, abrindo-se à respiração, ao ar. Se colada à coreografia, a composição permite-se de vez em quando um contraponto faz bem a esta.  O todo é de grande qualidade.

“Os estilos”    

Não conhecíamos Foniadakis, o que é uma pena. Mas agora... Esplêndida, inteligente, musical, a coreografia nem lembra Béjart, nem Graham ou Oharin. A assinatura nos parece autêntica, no virtuosismo do vocabulário coreográfico, na intensidade do movimento e tratamento do espaço. Como explicamos, a grande musicalidade. Contamos entre os 11  bailarinos 6 que, se não me engano, também dançaram “Schwerelos”: L. Cheng, A. Di Francesco, A. Galindo, R. Tan, L.T. Torres, E.K. Tilson. Certo, houve uma pausa, mas para os pulmões... Bravo! Mas não é para que os invejem, estão os outros igualmente maravilhosos!

Stephan Thoss, decênios passados. Não tem estilo. Igual a ele mesmo. Fazendo quase parte das partituras das composições que usa, ele varia, desenvolve, cria junto à própria dramaturgia e concepção da obra ora realizada. É sempre surpreendente, nunca decepcionante. Seus bailarinos, formidáveis, combinando o ecletismo dos vários estilos coreográficos a uma sincera “joie de danser”, continuam a nos encantar.

“Entre a força forte, a força fraca, a força eletromagnética e a força da gravidade de intensidades diferentes, a gravidade é a mais fraca destas forças, mas de um infinito impacto”.

Stephan Thoss escolheu bem!

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Bayerisches Staatsballett

(première mundial)

Cor. Alexei Ratmansky

Mús. Piotr Ilich Tchaikovski (Ouvertures)

Por Celi Barbier

O que era um título de trabalho ficou sendo o verdadeiro título, o que achamos consequente, já que outro implicaria ser o de uma obra em si. Aqui não se trata de uma obra com dramaturgia interna. Entre a Elegia, (música de cena sobre Hamlet), Fantasia-Hamlet, A Tempestade, Fantasia para Orquestra, Romeu e Julieta (dueto cantante para soprano e tenor), Romeu e Julieta Fantasia-Ouverture, dificilmente se vê o vínculo. Muitos me perguntaram se seria necessário ler essas magníficas obras de Shakespeare para entender a coreografia. Ler Shakespeare é a beleza em si; não faria mal a ninguém. A Ouverture não precisa de uma ligação de conteúdo com as obras que se seguem (Brockhaus da música), como quis Ratmansky.

A 1ª. Ouverture teria sido identificada em 1640, abrindo um balé cênico em Paris, perto do instrumental de J.B. Lully. A Elegia é um gênero poético aparecendo nos anos 7 a.C. tendo sentido de tristeza ou melancolia. Fontes musicais recentes afirmam que essa conotação vai-se esvaecendo a partir do Renascimento. Fantasie – forma de realização instrumental livre de “obrigações musicais”, perto da improvisação. O título das peças musicais aparece desde o início do século XVI, algumas vezes ligado a danças e canções para dançar. A Fantasie pertence mais ao domínio da música e a Ouverture continua a ser mais empregada em óperas, ainda séculos mais tarde, com o nome de Prelúdio (para R. Wagner) ou Introdução (para G. Verdi).

Vamos nos lembrar de Ratmansky em nossa primeira entrevista, 2008, na cantina da Ópera de Paris, quando da tournée do Balé do Bolshoi, durante os intervalos de Spartacus, no papel-título Carlos Acosta. Já então nos confiou Ratmansky, diretor do Balé do Bolshoi à época, que o Bolshoi merecia um diretor 24 horas por dia. “Sou um artista livre que gostaria de dar o melhor de mim mesmo às companhias e aos bailarinos com quem trabalho”.

Alexei é russo-ucraniano, de pai ucraniano, nasceu em St. Petersburgo, depois estudos na Academia de Balé em Moscou. Dançou como primeiro solista no Balé Nacional da Ucrânia, no Royal Winnipeg Ballet e no Balé Real da Dinamarca. Desde seu tempo como bailarino, começa a coreografar para grandes companhias, como o Balé do Teatro Mariinski, o Balé da Ópera de Paris, o Balé Real da Dinamarca e o Royal Ballet. Ainda o American Ballet Theater e o New York City Ballet. De 2004 a 2008 fo ei diretor do Balé do Teatro Bolshoi e, a partir de 2009, coreógrafo residente do A.B.T. Decide, no entanto, não prolongar seu contrato com a Companhia e, em agosto 2022, começa como coreógrafo residente do New York City Ballet.

Livre das amarras administrativas do Bolshoi, uma esplêndida carreira abre-se a Ratmansky. Aos 40 anos. Suas reconstruções originais de obras clássicas permitiram uma rápida ascensão. Paralelamente, a diversidade de seus interesses artísticos: pintura e literatura. Daí o balé sobre Vassily Kandinsky, A Tempestade de William Shakespeare, Ana Karenina de Leon Tolstoi, As Perdidas Ilusões de Honoré de Balzac.

Para o Staatsballett de Munique, remontou Paquita, em 2014. Só falamos do que expressou quanto à herança da tradição, segundo as notações originais, que pôde obter e trabalhar sobre elas. “Quero aprender com Paquita, não como o balé é dançado hoje por outras companhias, em estilos diferentes, mas antes. Não entrar muito no âmbito da interpretação, mas na leitura dos documentos. Conectar-se com o passado é muito importante para mim, pois as coisas se perdem, os passos se perdem, o vocabulário da dança clássica se perde. Os passos desaparecem das salas de aula e, obviamente, do palco. Por isso, interesso-me pelas reconstruções sérias, tão exatas quanto possível”.

Foi difícil para a Companhia dançar “como antes”; os developpés mais baixos que 90 graus, os braços arredondados etc. Toda uma estética a aprender em algumas semanas. Um stress imenso para o Ensemble, Depois da geral, me confiou: “ Vou falar com eles, porque sinto em mim a responsabilidade, a possibilidade, não apenas de empregar todo esse material em minhas obras, mas transmitindo-o aos bailarinos”.

Não sei o que disse a eles, mas na première a Companhia mostrou-se como um Ensemble de grande nível, mesmo se nem todos dançaram “como antes”. Menos rigoroso com o Balé de Zurique foi sua reconstrução do Lago, com uma companhia mais acessível também a essa estética antiga. Mas sempre exigente. Apesar de ter ao lado da Companhia o Júnior Ballet, a Academia Zurique, os estudantes da Escola de Balé da Ópera de Zurique, ainda não estava completamente satisfeito; “Normalmente, são 24 pares, fora os outros participantes e os solistas”. Desarmante...

Com toda essa bagagem de vocabulário e linguagem dos passos e coreográfica, Ratmansky possui um fabuloso material para suas próprias coreografias. Faltou-me um componente, mesmo se não vi suas obras em toda profusão, e que senti no seu Lago, em Zurique: a proximidade emocional com Tchaikovsky. O que não reencontramos agora, na estranha escolha da Fantasia-Ouvertures de Tchaikovski, com um cenário dos mais sóbrios, a imensa cena às vezes praticamente “habitada” só por um solista.

A grande sobriedade já traz em si uma emoção, porque nela ficamos fixados naquilo que involuntariamente somos. Ou voluntariamente? A tradução musical dos passos, dos ângulos, das determinações do espaço, é sentida como um fino brilho de lembranças. Quem é Hamlet, quem são Romeu e Julieta, o que representa A Tempestade? Serão já arquétipos? Morte, Devastação, Amor-Paixão.

O fato de não querer, nesse momento, criar uma obra narrativa, mas peças de um grande compositor, sobre obras de um grande escritor, já é uma escolha. E qual? Dois imensos artistas, cujas obras já pertencem ao “inconsciente coletivo”, juntos, para uma grande obra emocional. A “narração”, que aparentemente não existe, é sub-reptícia, pois há também uma escolha das obras segundo um critério, seguramente um itinerário, psicológico e emocionalmente “narrativo”.

A ideia do coreógrafo de transmitir emoção ao público e uma relação das obras junto a ele é um pouco temerária, já que a emoção é fundamentalmente individual. Para William James, o essencial da emoção tem a ver com “mudanças corporais”.

Me reconhecendo como parte do público, não consegui o relacionamento desejado, sendo as obras distintas, certo, mas ligadas por uma dramaturgia interna, evidentemente mesmo musical. Entre os (certamente necessários) intervalos, longos, de 25 a 30 minutos, a emoção perde-se em “banalidades sociais”. A ideia do ótimo dramaturgo Serge Hoenegger de que Ratmansky conseguiria “deixar um mundo aparecer a cada momento, quando a cortina se abre, e ser capaz de estabelecer um novo começo”, não nos parecia difícil.
 

Mas...

Nos aproximamos do brilhante cenógrafo Jean-Marc Purissant, ex-bailarino do Balé da Ópera de Paris: “O balé clássico abstrato dirige nossa percepção, mas nos deixa a liberdade de pensarmos por nós mesmos, a liberdade de reflexão, dos  sonhos e lembranças. Ao que responde no programa o próprio Ratmansky: “Na área da emoção estamos no balé particularmente credíveis. Porque podemos representar o indizível. De certa forma, a música também. Mas como bailarinos conseguimos ir mais além na representação da emoção, através de nosso corpo, rosto, olhos, nosso espírito, nossa energia. Mas o melhor de tudo é dançar”.

É do que falaremos em nosso próximo texto...

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Walter Haupt homenageia

Celi Barbier por seu Jubileu

Todos sabemos que Walter Haupt é um dos maiores compositores contemporâneos do mundo, afiliado a Carl Orff, seu mentor. Um dia, o mestre lhe “intimou”: você terá de encenar Carmina Burana, com fantásticos costumes da Idade Média, e bem engraçados, como quero. O que foi feito, na Köenigsplatz, em Munique, quando de seu centenário, 1895-1995. Estamos ainda longe da homenagem a Celi.

Criando os Sons das Nuvens e outras ideias inovadoras, como escrevemos no seu Portrait, quando no Brasil que adora, foram 250 mil espectadores em Copacabana para Carmina Burana. Uma loucura total, diz ele. Assim em São Paulo, no Pacaembu, assim no Teatro Municipal, no Rio de Janeiro. Na América do Sul, 18 espetáculos. Ao todo, 16 anos de tournées mundiais, 40 países, 200 espetáculos. Estrondoso sucesso!

Vale a pena rever nosso Portrait incluindo uma última obra, Marie Antoinette, para o Staatsballet de Linz, Áustria. Na época, com 85 anos e uma esplendorosa vitalidade. Para a obra, 76 músicos e 52 ercussionistas.

Em 1972, para os Jogos Olímpicos, coube ao ministro da Baviera fazer a encomenda. Uma obra expressamente coreográfica e inovadora, tendo Celi como co-coreógrafa e assistente do diretor de balé, dr. Dieter Gackstetter. Ela recém-chegada a Munique. Foi o primeiro balé do mundo usando raio laser.

“Pontualmente, trabalhamos juntos. Criei para Celi, um solo “A Noite”, que fez parte da minha criação “Träume”: Sonhos sobre Le Bateau Ivre de Rimbaud, cujos versos ela também recitava, tendo retrabalhado e destorcendo a voz, teve um impacto do irreal, a cena experimental, toda coberta de espelhos, mesmo o espaço para a dança, mil prismas.

Em 1979, Kontrapunkt, para a cena experimental, de grande sucesso. Segue uma noite inteira dedicada a Samuel Beckett, em homenagem aos 80 anos do grande escritor, Prêmio Nobel de Literatura, para o Ballet da Opera de St. Gallen (Suissa).

Depois da tournée de 16 anos, Walter quis conhecer seu país. Compraram, então, um Wohn Mobil e percorreram a Alemanha “desconhecida”. Um tour de force para a maravilhosa esposa Rosi, organizadora, administradora, esplêndida na gastronomia para os convidados e no savoir faire. Me receberam os dois na mansão perto de Munique, branca, com ornamentos dourados. Do verdejante jardim sobressaem estátuas femininas, lembrado as da Grécia antiga. Entrada real. Aos lados do portal, duas belíssimas estátuas de Buda, em bronze. Diante delas, um triângulo em vidro com velinhas acesas em seu interior. Que acesas ficaram quando Celi cruzou o portal, tendo sobre ela uma lira em ouro. Emoção...

Florinhas rosas e delicadas pensavam esconder o presente. Inesperado o Allegretto, especialmente composto – “para Celi”. A convite, dirigiu-se ela ao salão imenso, com piso de mármore, um piano de cauda à espera. Walter, sorriso aberto, com o humor que lhe é peculiar, sentou-se ao piano: “Será que posso ainda interpretar?” Os sons do Allegretto afloram em Celi, além de alegria, a reflexão e as lembranças.                     

“Celi, uma verdadeira beleza, uma graciosa figura de arte viva na qual o sensual encontra o espiritual e se funde em uma unidade estética.

Celi, minha alma gêmea!

Nós experimentamos tantas estreias de sucesso juntos. Você como a graciosa dançarina em minhas primeiras composições, mais tarde como a colaboradora extremamente inteligente em meus últimos trabalhos.

Trabalhar com você foi e é sempre um enriquecimento maravilhoso."